Biểu diễn nghệ thuật

Nghệ sĩ biểu diễn ở Kyoto, Nhật Bản

Nghệ sĩ tham gia biểu diễn nghệ thuật trước khán giả được gọi là nghệ sĩ biểu diễn. Ví dụ về những người này bao gồm diễn viên, diễn viên hài, vũ công, ảo thuật gia , nghệ sĩ xiếc , nhạc sĩ và ca sĩ. Nghệ thuật biểu diễn cũng được hỗ trợ bởi người lao động trong lĩnh vực liên quan, chẳng hạn như sáng tác, vũ đạo và Nghệ thuật dựng kịch .

Một người biểu diễn xuất sắc về diễn xuất, ca hát và nhảy múa thường được coi là mối đe dọa gấp ba . ^[3] Các ví dụ nổi tiếng về các nghệ sĩ giải trí có mối đe dọa ba trong lịch sử bao gồm Gene Kelly , Fred Astaire , Judy Garland , Sammy Davis Jr. , ^[3] Beyoncé , Madonna , Jennifer Lopez , Justin Timberlake , Selena Gomez và Lady Gaga .

Người biểu diễn thường thích ứng của họ xuất hiện , chẳng hạn như với trang phục và giai đoạn trang điểm , ánh sáng sân khấu , và âm thanh.

Nghệ thuật biểu diễn có thể bao gồm khiêu vũ, âm nhạc, opera, sân khấu kịch và nhạc kịch, ảo thuật , ảo ảnh , kịch câm , kịch nói , múa rối , nghệ thuật xiếc , nghệ thuật trình diễn.

Ngoài ra còn có một hình thức nghệ thuật chuyên biệt, trong đó các nghệ sĩ biểu diễn tác phẩm của họ trực tiếp cho khán giả. Đây được gọi là nghệ thuật trình diễn. Hầu hết nghệ thuật trình diễn cũng liên quan đến một số hình thức nghệ thuật tạo hình, có lẽ trong việc tạo ra các đạo cụ . Khiêu vũ thường được coi là nghệ thuật tạo hình trong thời kỳ Nhảy hiện đại. ^[4]

Rạp hát

Sân khấu là nhánh của nghệ thuật biểu diễn liên quan đến việc diễn xuất các câu chuyện trước khán giả, sử dụng sự kết hợp của lời nói, cử chỉ, âm nhạc, vũ đạo, âm thanh và cảnh tượng. Bất kỳ một hoặc nhiều yếu tố này đều được coi là nghệ thuật biểu diễn. Ngoài phong cách đối thoại tường thuật tiêu chuẩn của các vở kịch, sân khấu còn có các hình thức như kịch, nhạc kịch, opera, múa ba lê, ảo ảnh , kịch câm , múa Ấn Độ cổ điển , kabuki , vở kịch của những người làm mẹ , sân khấu ngẫu hứng , hài kịch, kịch câm và phi truyền thống hoặc hình thức hiện đại như rạp chiếu hậu hiện đại , nhà hát postdramatic , hoặc nghệ thuật trình diễn.

Nhảy

Một nữ diễn viên ballet en pointe .

Trong ngữ cảnh của nghệ thuật biểu diễn, khiêu vũ thường đề cập đến chuyển động của con người , thường là nhịp điệu và âm nhạc, được sử dụng như một hình thức giải trí cho khán giả trong khung cảnh biểu diễn. Định nghĩa về những gì cấu thành khiêu vũ phụ thuộc vào các ràng buộc xã hội , văn hóa , thẩm mỹ , nghệ thuật và đạo đức và phạm vi từ chuyển động chức năng (chẳng hạn như múa dân gian ) đến kỹ thuật hệ thống hóa, điêu luyện như múa ba lê. ^[5]

Có một hình thức khiêu vũ hiện đại khác xuất hiện vào thế kỷ 19-20 với tên gọi là Free-Dance. Hình thức khiêu vũ này được cấu trúc để tạo ra một tính cách hài hòa bao gồm các đặc điểm như tự do về thể chất và tinh thần. Isadora Duncan là nữ vũ công đầu tiên tranh luận về "người phụ nữ của tương lai" và phát triển vectơ vũ đạo mới lạ bằng cách sử dụng ý tưởng của Nietzsche về "tâm trí tối cao trong tâm trí tự do". ^[6]

Khiêu vũ là một động lực mạnh mẽ, nhưng nghệ thuật khiêu vũ là sự thôi thúc được những người biểu diễn khéo léo truyền tải thành một thứ gì đó trở nên biểu cảm mãnh liệt và có thể làm hài lòng những khán giả không muốn nhảy. Hai khái niệm về nghệ thuật khiêu vũ — khiêu vũ như một sự thúc đẩy mạnh mẽ và khiêu vũ như một nghệ thuật được biên đạo khéo léo phần lớn được thực hành bởi một số ít chuyên nghiệp — là hai ý tưởng kết nối quan trọng nhất xuyên suốt bất kỳ sự cân nhắc nào về chủ đề này. Trong khiêu vũ, mối liên hệ giữa hai khái niệm này mạnh mẽ hơn so với một số môn nghệ thuật khác, và không thể tồn tại nếu không có nghệ thuật kia. ^[5]

Biên đạo là nghệ thuật thực hiện các điệu múa, và người thực hành nghệ thuật này được gọi là biên đạo múa.

Âm nhạc

Âm nhạc là một loại hình nghệ thuật kết hợp cao độ , nhịp điệu và độ động để tạo ra âm thanh. Nó có thể được biểu diễn bằng nhiều loại nhạc cụ và phong cách khác nhau và được chia thành các thể loại như dân gian , jazz , hip hop , pop và rock, v.v. Là một loại hình nghệ thuật, âm nhạc có thể xuất hiện ở định dạng trực tiếp hoặc thu âm và có thể được lên kế hoạch hoặc ngẫu hứng.

Sophocles , được mô tả trong gia đình Nordisk .

Vì âm nhạc là một nghệ thuật protean nên nó dễ dàng phối hợp với các từ cho bài hát như các chuyển động cơ thể trong khiêu vũ. Hơn nữa, nó có khả năng định hình các hành vi của con người khi nó tác động đến cảm xúc của chúng ta. ^[7]

Nghệ thuật biểu diễn phương Tây

Bắt đầu từ thế kỷ thứ 6 trước Công nguyên, thời kỳ cổ điển của nghệ thuật biểu diễn bắt đầu ở Hy Lạp , mở ra bởi các nhà thơ bi kịch như Sophocles . Những nhà thơ này đã viết những vở kịch, trong một số trường hợp, kết hợp với múa (xem Euripides ). Thời kỳ Hy Lạp hóa bắt đầu sử dụng hài kịch rộng rãi.

Tuy nhiên, đến thế kỷ thứ 6 sau Công Nguyên, nghệ thuật biểu diễn của phương Tây phần lớn đã kết thúc, khi Thời kỳ Đen tối bắt đầu. Giữa thế kỷ thứ 9 và thế kỷ 14, nghệ thuật biểu diễn ở phương Tây chỉ giới hạn trong các buổi biểu diễn lịch sử tôn giáo và các vở kịch đạo đức , được Nhà thờ tổ chức để kỷ niệm các ngày thánh và các sự kiện quan trọng khác.

Thời phục hưng

Trong thế kỷ 15 nghệ thuật biểu diễn, cùng với nghệ thuật nói chung, đã chứng kiến ​​sự hồi sinh khi thời kỳ Phục hưng bắt đầu ở Ý và lan rộng khắp châu Âu các vở kịch, một số vở kết hợp khiêu vũ, được trình diễn và Domenico da Piacenza được ghi nhận là người đầu tiên sử dụng thuật ngữ này. ballo (trong De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) thay vì Danza (vũ trường) cho mình baletti hoặc balli . Thuật ngữ này cuối cùng đã trở thành Ballet . Ballet đầu tiên cho mỗi gia nhập được cho là Balthasar de Beaujoyeulx 's Ballet Comique de la Reine (1581).

Đoàn kịch Commedia dell'arte trên một toa xe , của Jan Miel , 1640

Vào giữa thế kỷ 16, Commedia Dell'arte trở nên phổ biến ở châu Âu, giới thiệu việc sử dụng ngẫu hứng . Thời kỳ này cũng giới thiệu nghệ thuật hóa trang thời Elizabeth , có âm nhạc, khiêu vũ và trang phục cầu kỳ cũng như các công ty sân khấu chuyên nghiệp ở Anh. Các vở kịch của William Shakespeare vào cuối thế kỷ 16 đã phát triển từ loại hình biểu diễn chuyên nghiệp mới này.

Năm 1597, vở opera đầu tiên Dafne được trình diễn và trong suốt thế kỷ 17, opera nhanh chóng trở thành trò giải trí được lựa chọn cho tầng lớp quý tộc ở hầu hết châu Âu, và cuối cùng là cho một số lượng lớn người dân sống ở các thành phố và thị trấn trên khắp châu Âu.

Kỷ nguyên hiện đại

Sự ra đời của vòm proscenium ở Ý trong thế kỷ 17 đã tạo nên hình thức nhà hát truyền thống tồn tại cho đến ngày nay. Trong khi đó, ở Anh, những người Thanh giáo cấm diễn xuất, dẫn đến việc ngừng biểu diễn nghệ thuật kéo dài cho đến năm 1660. Sau đó, phụ nữ bắt đầu xuất hiện trong các vở kịch tiếng Pháp và tiếng Anh. Người Pháp đã giới thiệu một hướng dẫn khiêu vũ chính thức vào cuối thế kỷ 17.

Cũng trong thời gian này, các vở kịch đầu tiên đã được trình diễn ở Thuộc địa Hoa Kỳ .

Trong suốt thế kỷ 18, sự ra đời của phần đệm opera phổ biến đã đưa opera đến với công chúng như một hình thức biểu diễn dễ tiếp cận. Mozart 's The Marriage of Figaro và Don Giovanni là một trong những điểm mốc của vở opera cuối thế kỷ 18.

Vào đầu thế kỷ 19, Beethoven và phong trào Lãng mạn đã mở ra một kỷ nguyên mới mà đầu tiên là những vở opera lớn và sau đó là những vở nhạc kịch của Giuseppe Verdi và Gesamtkunstwerk (tổng thể tác phẩm nghệ thuật) trong các vở opera của Richard Wagner dẫn trực tiếp đến âm nhạc của thế kỷ 20.

Thế kỷ 19 là thời kỳ phát triển của nghệ thuật biểu diễn dành cho mọi tầng lớp xã hội, những tiến bộ kỹ thuật như sự ra đời của ánh sáng gas vào các rạp hát, burlesque , múa minstrel và sân khấu tạp kỹ. Trong múa ba lê, phụ nữ đạt được tiến bộ vượt bậc trong bộ môn nghệ thuật trước đây do nam giới thống trị.

Isadora Duncan , một trong những người phát triển điệu nhảy tự do .

Múa hiện đại bắt đầu vào cuối thế kỷ 19 và đầu thế kỷ 20 để đáp ứng những hạn chế của múa ba lê truyền thống.

"Hệ thống" của Konstantin Stanislavski đã cách mạng hóa diễn xuất vào đầu thế kỷ 20, và tiếp tục có ảnh hưởng lớn đến các diễn viên sân khấu và màn ảnh cho đến ngày nay. Cả chủ nghĩa ấn tượng và chủ nghĩa hiện thực hiện đại đều được đưa lên sân khấu trong thời kỳ này.

Sự xuất hiện của Sergei Diaghilev 's Ballets Russes (1909-1929) một cuộc cách mạng ba lê và biểu diễn nghệ thuật nói chung trên toàn thế giới phương Tây, quan trọng nhất là thông qua nhấn mạnh Diaghilev về hợp tác, mang biên đạo múa, vũ công, nhà thiết kế bộ / nghệ sĩ, nhà soạn nhạc và nhạc sĩ với nhau để hồi sinh và cách mạng hóa ba lê. Nó vô cùng phức tạp.

Với sự phát minh ra hình ảnh chuyển động vào cuối thế kỷ 19 của Thomas Edison và sự phát triển của ngành công nghiệp hình ảnh chuyển động ở Hollywood vào đầu thế kỷ 20, phim đã trở thành một phương tiện biểu diễn thống trị trong suốt thế kỷ 20 và 21.

Nhịp điệu và nhạc blues , một hiện tượng văn hóa của người Mỹ da đen, trở nên nổi bật vào đầu thế kỷ 20; ảnh hưởng đến một loạt các phong cách âm nhạc phổ biến sau này trên toàn cầu.

Vào những năm 1930, Jean Rosenthal đã giới thiệu những gì sẽ trở thành ánh sáng sân khấu hiện đại , thay đổi bản chất của sân khấu khi vở nhạc kịch Broadway trở thành một hiện tượng ở Hoa Kỳ.

Sau chiến tranh

Nghệ thuật biểu diễn sau Thế chiến II được đánh dấu bởi sự hồi sinh của cả ba lê và opera ở thế giới phương Tây.

Biểu diễn sân khấu đường phố hiện đại ở La Chaux-de-Fonds

Chủ nghĩa hậu hiện đại trong nghệ thuật biểu diễn đã thống trị những năm 1960 ở mức độ lớn. ^{[ cần dẫn nguồn ]}

Biểu diễn nghệ thuật phương đông

Trung đông

Sự kiện sân khấu được ghi lại sớm nhất có từ năm 2000 trước Công nguyên với các vở kịch đam mê của Ai Cập cổ đại . Câu chuyện về thần Osiris này được biểu diễn hàng năm tại các lễ hội trên khắp nền văn minh, đánh dấu sự khởi đầu được biết đến của mối quan hệ lâu dài giữa sân khấu và tôn giáo.

Các hình thức phổ biến nhất của nhà hát trong thế giới Hồi giáo thời Trung cổ là con rối nhà hát (trong đó bao gồm con rối tay, vở kịch bóng và rối tác phẩm) và sống niềm đam mê lượt gọi là ta'ziya , nơi diễn viên tái ban hành tập từ lịch sử Hồi giáo . Đặc biệt, vở kịch Hồi giáo Shia xoay quanh cuộc tử nạn (tử vì đạo) của hai con trai của Ali là Hasan ibn Ali và Husayn ibn Ali . Các vở kịch sống thế tục được gọi là akhraja , được ghi lại trong văn học adab thời trung cổ , mặc dù chúng ít phổ biến hơn so với múa rối và kịch ta'ziya . ^{[số 8]}

Iran

Ở Iran có các hình thức sân khấu khác như Naghali (kể chuyện), ٰ Ru-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani , Mareke giri .

Ấn Độ

Bharatanatyam một điệu nhảy cổ điển của Ấn Độ có nguồn gốc từ Tamil Nadu

Múa dân gian Gotikua là một trong những màn trình diễn nổi tiếng được biểu diễn bởi tất cả các nhóm nam sinh mặc trang phục phụ nữ Ấn Độ Saree

Sân khấu dân gian và kịch có thể bắt nguồn từ nghi lễ tôn giáo của các dân tộc Vệ Đà trong thiên niên kỷ thứ 2 trước Công nguyên . Nhà hát dân gian của quá khứ mù sương này được pha trộn với khiêu vũ, ẩm thực, nghi lễ, cộng với mô tả các sự kiện trong cuộc sống hàng ngày. Yếu tố cuối cùng khiến nó trở thành nguồn gốc của nhà hát cổ điển thời sau này. Nhiều nhà sử học, đặc biệt là DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, v.v. đã đề cập đến sự phổ biến của chủ nghĩa nghi lễ trong các bộ lạc Indo-Aryan, trong đó một số thành viên của bộ lạc hành động như thể họ là động vật hoang dã và một số người khác là thợ săn. Những người đóng vai động vật có vú như dê, trâu, tuần lộc, khỉ, ... bị đuổi theo những người đóng vai thợ săn.

Bharata Muni (thế kỷ 5 - 2 trước Công nguyên) là một nhà văn Ấn Độ cổ đại nổi tiếng với việc viết Natya Shastra of Bharata , một chuyên luận lý thuyết về nghệ thuật biểu diễn Ấn Độ, bao gồm sân khấu, khiêu vũ, diễn xuất và âm nhạc, được so sánh với Aristotle là Poetics . Bharata thường được biết đến là cha đẻ của nghệ thuật sân khấu Ấn Độ. Natya Shastra của anh ấy dường như là nỗ lực đầu tiên để phát triển kỹ thuật hay đúng hơn là nghệ thuật, kịch một cách có hệ thống. Natya Shastra cho chúng ta biết không chỉ những gì sẽ được miêu tả trong một bộ phim truyền hình, mà còn cho chúng ta biết cách miêu tả sẽ được thực hiện như thế nào. Kịch, như Bharata Muni nói, là sự bắt chước những người đàn ông và hành động của họ ( loka-vritti ). Vì nam giới và hành động của họ phải được tôn trọng trên sân khấu, vì vậy kịch trong tiếng Phạn còn được gọi bằng thuật ngữ roopaka , có nghĩa là miêu tả.

Các Ramayana và Mahabharata có thể được coi là vở kịch đầu tiên nhận ra rằng có nguồn gốc từ Ấn Độ. Những sử thi này đã cung cấp nguồn cảm hứng cho các nhà viết kịch Ấn Độ sớm nhất và họ vẫn làm điều đó cho đến tận ngày nay. Các nhà viết kịch Ấn Độ như Bhāsa vào thế kỷ thứ 2 trước Công nguyên đã viết những vở kịch lấy cảm hứng từ Ramayana và Mahabharata .

Kālidāsa vào thế kỷ 1 trước Công nguyên, được cho là nhà soạn kịch vĩ đại nhất của Ấn Độ cổ đại . Ba vở kịch lãng mạn nổi tiếng được viết bởi Kālidāsa là Mālavikāgnimitram ( Mālavikā và Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Liên quan đến Vikrama và Urvashi ), và Abhijñānaśākuntala ( Sự công nhận của Shakuntala ). Cuối cùng được lấy cảm hứng từ một câu chuyện trong Mahabharata và là câu chuyện nổi tiếng nhất. Đây là cuốn đầu tiên được dịch sang tiếng Anh và tiếng Đức. So với Bhāsa, người đã vẽ rất nhiều từ các sử thi, Kālidāsa có thể được coi là một nhà viết kịch nguyên bản.

Nhà soạn kịch vĩ đại tiếp theo của Ấn Độ là Bhavabhuti (khoảng thế kỷ thứ 7). Ông được cho là đã viết ba vở kịch sau: Malati-Madhava , Mahaviracharita và Uttar Ramacharita . Trong số ba phần này, hai phần cuối cùng nằm giữa chúng, toàn bộ sử thi Ramayana . Hoàng đế quyền lực của Ấn Độ Harsha (606–648) được ghi nhận là đã viết ba vở kịch: bộ phim hài Ratnavali , Priyadarsika và bộ phim Phật giáo Nagananda . Nhiều nhà viết kịch khác đã theo sau trong thời Trung cổ .

Có rất nhiều loại hình nghệ thuật biểu diễn ở miền nam của Ấn Độ, Kerala là một bang như vậy với các loại hình nghệ thuật khác nhau như Koodiyattam , Nangyarkoothu , Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattam và có nhiều nghệ sĩ nổi tiếng như Painkulam Raman Chakyar và những người khác.

Trung Quốc

Phim truyền hình về bóng bàn tay, Trung Quốc

Có những đề cập đến các trò giải trí sân khấu ở Trung Quốc sớm nhất là vào năm 1500 trước Công nguyên trong triều đại nhà Thương ; họ thường tham gia vào các màn trình diễn âm nhạc, hề và nhào lộn.

Triều đại nhà Đường đôi khi được gọi là "Thời đại của 1000 giải trí". Trong thời đại này, Hoàng đế Huyền Tông đã thành lập một trường dạy diễn xuất được gọi là Những đứa trẻ của vườn lê để sản xuất một loại hình chính kịch chủ yếu là âm nhạc.

Vào thời nhà Hán, múa rối bóng lần đầu tiên nổi lên như một hình thức sân khấu được công nhận ở Trung Quốc. Có hai hình thức múa rối bóng khác nhau, tiếng Quảng Đông miền nam và tiếng miền bắc Bắc Kinh. Hai phong cách được phân biệt bởi phương pháp tạo ra các con rối và vị trí của các thanh trên con rối, trái ngược với kiểu chơi do các con rối biểu diễn. Cả hai phong cách nói chung đều biểu diễn các vở kịch miêu tả cuộc phiêu lưu và giả tưởng tuyệt vời, hiếm khi hình thức sân khấu cách điệu này được sử dụng để tuyên truyền chính trị. Những con rối bóng của Quảng Đông lớn hơn trong số hai con rối. Chúng được chế tạo bằng cách sử dụng da dày để tạo ra nhiều bóng hơn đáng kể. Màu tượng trưng cũng rất thịnh hành; mặt đen tượng trưng cho sự trung thực, mặt đỏ tượng trưng cho sự dũng cảm Các thanh dùng để điều khiển các con rối Quảng Đông được gắn vuông góc với đầu các con rối. Vì vậy, họ không bị khán giả nhìn thấy khi cái bóng được tạo ra. Những con rối của người Bắc Kinh tinh tế hơn và nhỏ hơn. Chúng được tạo ra từ da mỏng, trong mờ thường được lấy từ bụng của một con lừa. Chúng được sơn bằng các loại sơn rực rỡ, do đó chúng tạo ra một bóng rất nhiều màu sắc. Những chiếc que mỏng điều khiển chuyển động của chúng được gắn vào một chiếc vòng da ở cổ con rối. Các thanh chạy song song với thân của con rối sau đó quay một góc 90 độ để nối với cổ. Trong khi những thanh này có thể nhìn thấy khi bóng đổ, chúng nằm bên ngoài bóng của con rối; do đó họ không can thiệp vào sự xuất hiện của hình. Các thanh gắn ở cổ để thuận tiện cho việc sử dụng nhiều đầu với một thân. Khi đầu không được sử dụng, chúng được cất giữ trong một cuốn sách hoặc hộp vải lót bằng vải dạ. Những cái đầu luôn được gỡ bỏ vào ban đêm. Điều này phù hợp với sự mê tín cũ rằng nếu để nguyên vẹn, những con rối sẽ trở nên sống động vào ban đêm. Một số nghệ sĩ múa rối đã đi xa đến mức cất giữ đầu vào cuốn sách này và cơ thể trong cuốn sách khác, để giảm hơn nữa khả năng phục hồi các con rối. Múa rối bóng được cho là đã đạt đến đỉnh cao của sự phát triển nghệ thuật vào thế kỷ 11 trước khi trở thành một công cụ của chính phủ.

Vào triều đại nhà Tống , có rất nhiều vở kịch phổ biến liên quan đến nhào lộn và âm nhạc. Những thứ này được phát triển trong triều đại nhà Nguyên thành một hình thức phức tạp hơn với cấu trúc bốn hoặc năm hành động. Kịch Yuan lan rộng khắp Trung Quốc và đa dạng hóa thành nhiều hình thức khu vực, nổi tiếng nhất là Bắc Kinh Opera, vẫn còn phổ biến cho đến ngày nay.

nước Thái Lan

Hanuman trên cỗ xe của mình, một cảnh trong Ramakien ở Wat Phra Kaew , Bangkok

Ở Thái Lan , có một truyền thống từ thời Trung cổ là xem các vở kịch trên sân khấu dựa trên các cốt truyện được rút ra từ các sử thi Ấn Độ. Đặc biệt, phiên bản sân khấu của sử thi quốc gia Ramakien của Thái Lan , phiên bản của Ramayana của Ấn Độ , vẫn còn phổ biến ở Thái Lan cho đến tận ngày nay.

Campuchia

Ở Campuchia , các bia ký có niên đại từ thế kỷ thứ 6 sau Công nguyên cho thấy bằng chứng về các vũ công tại một ngôi đền địa phương và sử dụng múa rối cho các vở kịch tôn giáo. Tại cố đô Angkor Wat , những câu chuyện trong sử thi Ấn Độ Ramayana và Mahabharata đã được khắc trên tường của các ngôi đền và cung điện. Những bức phù điêu tương tự cũng được tìm thấy tại Borobudur ở Indonesia.

Phi-líp-pin

Trong Philippines , nổi tiếng anh hùng ca bài thơ Ibong Adarna , ban đầu mang tên "Korido tại Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na Anak nina Haring Fernando tại Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (tiếng Anh: " Corrido và cuộc sống Đã sống của Ba Princes, trẻ em của Vua Fernando và Nữ hoàng Valeriana ở Vương quốc Berbania ") từ thế kỷ 16 được viết bởi José de la Cruz trong thời kỳ Tây Ban Nha . Ngoài các buổi biểu diễn trên sân khấu, các bộ phim khác nhau được sản xuất bởi các hãng phim / tác phẩm truyền hình khác nhau. Bộ phim "Ang Ibong Adarna" được sản xuất đầu tiên được sản xuất bởi LVN Pictures , hãng phim lớn nhất trong lịch sử của Philippines.

Florante at Laura là một " chờ đợi " hoặc một bài thơ bao gồm các câu thơ 12 âm tiết với tiêu đề đầy đủ là "Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (tiếng Anh: "Lịch sử của Florante và Laura ở Vương quốc Albania ") được viết bởi Francisco Balagtas vào năm 1838 trong thời gian bị giam giữ dành riêng cho người yêu của mình là Maria Asuncuion Rivera (biệt danh "MAR", được gọi là "Selya"). Bài thơ có một phần đặc biệt mang tên " Kay Selya " (tiếng Anh: "For Celia") dành riêng cho Rivera.

Các Philippines 's anh hùng dân tộc, José Rizal cũng là một tiểu thuyết gia, tạo ra hai bài thơ nổi tiếng ở Philippines, Noli Me Tángere ^{[ định hướng cần thiết ]} ( Latin cho 'Chạm tôi không' , với dấu sắc thêm vào chữ cuối cùng trong phù hợp với chính tả tiếng Tây Ban Nha ) (1887) mô tả sự bất bình đẳng được nhận thức của các anh em Công giáo Tây Ban Nha và chính phủ cầm quyền và El Filibusterismo (bản dịch: The filibusterism; The Subversive hoặc The Subversion, như trong bản dịch tiếng Anh của Locsín, cũng có thể là bản dịch, cũng được biết đến bằng tựa tiếng Anh thay thế của nó là The Reign of Greed) (1891). Chủ đề đen tối của cuốn tiểu thuyết khác hẳn với bầu không khí lãng mạn và đầy hy vọng của cuốn tiểu thuyết trước, cho thấy Ibarra phải giải quyết các vấn đề của đất nước bằng các biện pháp bạo lực, sau khi nỗ lực cải cách hệ thống đất nước trước đó của ông không có tác dụng và dường như là không thể trước thái độ thối nát của người Tây Ban Nha người Philippines. Những cuốn tiểu thuyết này được viết trong thời kỳ thuộc địa hóa Philippines của Đế quốc Tây Ban Nha .

Tất cả những tác phẩm văn học này thuộc Chương trình K-12 dành cho Trường Trung học Cơ sở , Ibong Adarna thuộc Chương trình Lớp 7; Florante at Laura (Lớp 8); Noli Me Tángere ^{[ cần định hướng ]} (Lớp 9); và El Filibusterismo (Lớp 10).

Nhật Bản

Vở kịch kabuki

Hiệu suất ở Kagoshima

Trong suốt thế kỷ 14, ở Nhật Bản đã có những công ty nhỏ gồm các diễn viên biểu diễn những vở hài kịch ngắn, đôi khi thô tục. Giám đốc của một trong những công ty này, Kan'ami (1333–1384), có một con trai, Zeami Motokiyo (1363–1443), người được coi là một trong những diễn viên nhí xuất sắc nhất ở Nhật Bản. Khi công ty của Kan'ami biểu diễn cho Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408), shōgun của Nhật Bản, ông đã cầu xin Zeami được học trong triều về nghệ thuật của mình. Sau khi Zeami nối nghiệp cha mình, anh tiếp tục biểu diễn và chuyển thể phong cách của mình thành Noh ngày nay . Là sự kết hợp giữa kịch câm và nhào lộn bằng giọng hát, phong cách sân khấu Noh đã trở thành một trong những hình thức biểu diễn sân khấu tinh tế nhất của Nhật Bản.

Nhật Bản, sau một thời gian dài nội chiến và hỗn loạn chính trị, đã được thống nhất và hòa bình chủ yếu do shōgun Tokugawa Ieyasu (1600–1668). Tuy nhiên, lo ngại về số lượng người theo đạo Thiên chúa ngày càng tăng trong nước do những nỗ lực truyền đạo của các nhà truyền giáo Thiên chúa giáo, ông đã cắt đứt liên lạc từ Nhật Bản sang châu Âu và Trung Quốc và đặt Kitô giáo ra ngoài vòng pháp luật. Khi hòa bình đến, sự phát triển mạnh mẽ của ảnh hưởng văn hóa và tầng lớp thương nhân ngày càng tăng đòi hỏi giải trí của riêng mình. Hình thức sân khấu đầu tiên phát triển mạnh mẽ là Ningyō jōruri (thường được gọi là Bunraku ). Người sáng lập và đóng góp chính cho Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653–1725), đã biến hình thức sân khấu của mình thành một loại hình nghệ thuật thực sự. Ningyo jōruri là một hình thức cách điệu cao của nhà hát sử dụng con rối, hôm nay về 1 / 3 kích thước của một con người. Những người đàn ông điều khiển con rối huấn luyện toàn bộ cuộc sống của họ để trở thành những người múa rối bậc thầy, khi đó họ có thể vận hành đầu và cánh tay phải của con rối và chọn để lộ khuôn mặt của họ trong khi biểu diễn. Những người múa rối khác, điều khiển các chi kém quan trọng hơn của con rối, che bản thân và khuôn mặt của họ trong một bộ đồ đen, để ám chỉ khả năng tàng hình của họ. Cuộc đối thoại được xử lý bởi một người duy nhất, người này sử dụng các tông giọng và cách nói khác nhau để mô phỏng các nhân vật khác nhau. Chikamatsu đã viết hàng nghìn vở kịch trong suốt cuộc đời của mình, hầu hết trong số đó vẫn được sử dụng cho đến ngày nay.

Kabuki bắt đầu ngay sau Bunraku, truyền thuyết kể rằng nó là của một nữ diễn viên tên là Okuni, sống vào khoảng cuối thế kỷ 16. Hầu hết tài liệu của kabuki đến từ Noh và Bunraku, và các chuyển động kiểu vũ đạo thất thường của nó cũng là một hiệu ứng của Bunraku. Tuy nhiên, kabuki ít trang trọng và xa vời hơn Noh, nhưng lại rất phổ biến trong công chúng Nhật Bản. Các diễn viên được đào tạo nhiều thứ khác nhau bao gồm khiêu vũ, ca hát, kịch câm, và thậm chí cả nhào lộn. Kabuki lần đầu tiên được biểu diễn bởi các cô gái trẻ, sau đó là các chàng trai trẻ, và vào cuối thế kỷ 16, các công ty kabuki bao gồm tất cả nam giới. Những người đàn ông đóng vai phụ nữ trên sân khấu được đào tạo đặc biệt để gợi ra bản chất của một người phụ nữ trong những chuyển động và cử chỉ tinh tế của họ.

Lịch sử nghệ thuật biểu diễn Châu Phi

Lịch sử biểu diễn nghệ thuật ở Châu Mỹ

Lịch sử biểu diễn nghệ thuật ở Châu Đại Dương

• Sự giải trí
• Sơ lược về nghệ thuật biểu diễn
• Nghệ thuật trình diễn
• Biểu diễn nghệ thuật giáo dục
• Người dẫn chương trình biểu diễn nghệ thuật
• Luật bản quyền của Hoa Kỳ trong nghệ thuật biểu diễn
• Pamela D, Trung tâm Văn hóa Nghệ thuật Biểu diễn Franklin

• Thư mục nghệ thuật biểu diễn ở phương Đông
• Thư viện Sưu tầm Châu Âu về Nghệ thuật Biểu diễn